21 de Octubre de 2014

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AUTOR: GobBsAs
FECHA: 9/11/2008
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Dossier

Arte: El informalismo en Argentina

El informalismo argentino incorporó a las prácticas artísticas locales, procedimientos reñidos con el buen gusto. Basado en las poéticas existenciales, a través de la espontaneidad gestual y el empleo de materiales de desecho, violentó los límites de los géneros artísticos tradicionales y abrió el camino al objeto, las instalaciones y al arte de acción.
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Sobre el informalismo
Las definiciones del informalismo son abundantes. De todos modos, provengan de los críticos involucrados en la tendencia o de los propios artistas, lo único que tienen en común es su incapacidad de abarcar el fenómeno en su totalidad. El término “informalismo” fue utilizado por el crítico Michel Tapié (Albi, 1909 - París, 1987); surgió del título de la muestra Signifiants de l’Informel, realizada en el estudio Fachetti (París) en noviembre de 1951, con obras de Fautrier, Dubuffet, Michaux, Mathieu, Riopelle y Serpan.
Poco después Tapié publicó el libro Un art autre (Un arte distinto). Su concepción del arte autre era la de una manifestación que partía de cero, en oposición al academicismo abstracto y en favor de un arte donde “la expresión sólo ordena”. No era suficiente abandonar la geometría y recurrir a las formas libres, por el contrario, resultaba imprescindible romper con los problemas plásticos, para refugiarse en el “hacer” sin control, en la espontaneidad total.
En 1954 apareció, en el contexto de la crítica francesa, el término tachisme (manchismo), utilizado por Charles Estienne. Hacia la misma época se divulgó la denominación action painting, propuesta por Harold Rosenberg en 1952. Con ella identificaba a un sector del arte norteamericano fundado en la violencia expresiva de la ejecución material.
Abstracción lírica, tachismo, pintura sígnica, pintura gestual, pintura matérica, eran propuestas que reflejaban la filosofía de la época (existencialismo sartreano y fenomenología de Merleau-Ponty), a través del compromiso del cuerpo con la acción pictórica.
La expansión de las tendencias informales fue rápida y generalizada. Diversos grupos y artistas independientes en Francia, Alemania, Italia, Japón, España, Estados Unidos y Sudamérica se inclinaron por una pintura que no parecía admitir límites nacionales y sólo recogía algunas características propias de las tradiciones locales.

Siete pintores abstractos
En octubre de 1957 presentó su primera exposición, en la Galería Pizarro, un grupo de artistas reunido con el nombre Siete pintores abstractos. Lo integraban Osvaldo Borda, Víctor Chab, Josefina Miguens, (luego firmó Josefina Robirosa), Rómulo Macció, Martha Peluffo, Kazuya Sakai y Clorindo Testa. Todos evidenciaban la inclinación hacia una abstracción “cálida”, entendida esta vía en su sentido más general, como oposición a la abstracción geométrica o “fría”, y como valoración de la expresión espontánea y de la gestualidad inmediata, pero contenida. Las obras de los siete pintores podían agruparse de acuerdo con el uso de los elementos sígnicos, de los trazos libres, de las manchas, de las superficies coloreadas, de las texturas y hasta de cierta geometría sensibilizada.

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Alberto Greco
Pintura, 1960,
collage s/madera, 210 x 145 cm.
Museo de Arte Moderno de Bs. As.


La actividad del colectivo Siete pintores abstractos continuó, desde 1958, ligada a la revista Boa, fundada y dirigida por el poeta y crítico de arte Julio Llinás, bajo la forma de “Cuadernos Internacionales de Documentación sobre la Poesía y el Arte de Vanguardia”. La revista sirvió como catálogo de la segunda exposición del grupo.

Qué cosa es el coso
En otra dirección, también en 1957, un pequeño grupo de artistas jóvenes intentó la ruptura con el formalismo imperante en Buenos Aires. Lo hicieron siguiendo las huellas del art brut, de dadá, de Duchamp, casi sin conocimiento de las corrientes artísticas más recientes. En 1956, Jorge López Anaya, Jorge Martin y Mario Valencia (hoy conocidos como grupo de San Isidro), cuyas edades oscilaban entre los veinte y los veinticinco años, comenzaron a pintar unas telas opuestas por el vértice a las corrientes dominantes. Durante ese año y el siguiente realizaron una serie de obras que despreciaban todas las convenciones y las lecciones de la “buena pintura”. Esta oposición, que les llevó a bautizar sus producciones como cosos, marcaba con nitidez la distancia que querían poner frente a las derivaciones más o menos convencionales de la abstracción geométrica o lírica.

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Noemí Di Benedetto
Sin título, 1962,
tela encolada, 163 x 101 cm.
Col. privada.


Movimiento informalista
El 21 de abril de 1958 se inauguró, en la Galería Pizarro, el IV Salón de la Asociación Arte Nuevo. Entre las abstracciones (geométricas o libres) se distinguía una obra basada en el uso de materiales heteróclitos y pobres, en restos, en andrajos de trapos sucios, manchados y caducos. Kenneth Kemble era el autor de ese insólito collage que desafiaba rudamente la estética dominante, oponiéndose radicalmente a la lisura, la precisión y el refinamiento de la abstracción dominante.

Kemble presentó dos collages para la exhibición. La vulgaridad de los materiales, su fealdad y degradación, produjeron una evidente molestia entre los organizadores de la muestra, aún cuando una de las características de la Asociación era la ausencia de todo juzgamiento de las obras previo a su exposición. Los directivos de Arte Nuevo comunicaron al desconocido pintor que, si bien respetaban la libertad creadora, creían conveniente que modificara su envío, porque los collages no se integraban en el contexto general de la muestra. Ante la negativa de Kemble, decidieron exponer un solo trabajo. Eligieron uno de 1957, realizado con trapos desgastados y manchados por el uso.

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Kenneth Kemble
Prohibida, 1960, arpillera, clavos,
pintura s/hardboard, 60 x 150 cm.
Col. privada.



Durante el mismo año, buena parte de los artistas que adscribían al informalismo participaron en muestras individuales o colectivas: Towas expuso, en el mes de setiembre, en la Galería Galatea; en el mes de octubre, Alberto Greco expuso con varios artistas de San Pablo, en la Galería Antígona; Fernando Maza se presentó en la Galería Rubbers; Pucciarelli exhibió, en septiembre, en la Galería Galatea. Luis Alberto Wells expuso monocopias, en la misma galería, durante el mes de octubre.
En ese contexto, la adhesión a la dirección informalista fue rápida y sin mayores transiciones. El 13 de julio de 1959 se realizó, en la Galería Van Riel, la primera exposición del Movimiento informal, que integraban Enrique Barilari, Alberto Greco, Kenneth Kemble, Olga López, Fernando Maza, Mario Pucciarelli, Towas y Luis Alberto Wells. Predominaban en sus obras la materia, las texturas complejas, los grumos y las mixturas. En otros casos, todo estaba fundado en el signo o el gesto.

En pocos meses, esos jóvenes artistas intercambiaron conocimientos. Discutieron mucho y realizaron experiencias colectivas. En una vieja casona del barrio de Belgrano, en la que Barilari tenía instalado su taller –que compartía con López y Wells–, se produjeron los primeros encuentros con Greco y Pucciarelli. Poco después, invitado por los dos últimos, se sumó Kemble.

La exposición fue recibida con desconfianza por el público y por la crítica. Se dudaba de la seriedad de esas propuestas. No tuvo mejor fortuna la segunda y última muestra del grupo, organizada por el Museo de Arte Moderno, que se presentó, en noviembre del mismo año, en el Museo de Artes Plásticas Eduardo Sívori. En esta oportunidad, se sumó al colectivo el fotógrafo Jorge Roiger, presentado por Greco. Rafael Squirru prologó el catálogo con un texto en el cual cita el zen, el budismo, a Kant, a Ko-ji-sei y al escritor argentino Federico González Frías.
En la Galería Pizarro, desde entonces principal difusora de las expresiones informalistas, se inauguró, el 7 de julio, otra exposición con obras de Greco y Pucciarelli, en esta ocasión acompañados por Florencio Méndez Casariego y Estela Newbery.

Fuente: Centro virtual de Arte Argentino
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